Animatie van pose-to-pose: een stapsgewijze handleiding voor beginners

Vóór digitale animatie moesten animators elke beweging helemaal opnieuw tekenen. Ze ontwikkelden een methode die pose-to-pose-animatie wordt genoemd, een systematische aanpak die hen hielp om veel van de beroemdste geanimeerde producties aller tijden af ​​te leveren.

Hier is een overzicht van wat pose-to-pose-animatie is en hoe je de techniek zelf kunt uitproberen.

Wat is pose-to-pose-animatie?

Bij het animeren van pose-to-pose, wordt het grootste deel van de tijd en moeite van de animator besteed aan het tekenen van de "sleutel" beats in een scène - een verbijsterd personage dat oogcontact maakt met de camera, of koning Arthur die Excalibur hoog boven zich houdt wanneer hij hem bevrijdt van de steen.

Met deze essentiële frames al geregeld, begint de scène samen te smelten en vorm aan te nemen. In een studiocontext worden animators op juniorniveau vervolgens gevraagd om de gaten op te vullen met tussendoortjes en het publiek door elke beat te dragen. Onder andere omstandigheden gaat de originele animator gewoon terug in zichzelf. Hoe dan ook, een complete animatie is het resultaat.

Waarom pose-to-pose animeren?

Pose-to-pose vormt de basis voor geweldige animaties om een ​​paar redenen: de bovengenoemde factor van planning is een belangrijk verkoopargument. Een andere is de toewijzing van creatieve energie. Wat is het verschil tussen een uur aan één tekening besteden en vier uur aan 200 tekeningen?

In het laatste geval zullen de eerste paar tekeningen waarschijnlijk ongeveer net zo goed zijn als die in het eerste geval. Na een paar uur verliezen velen van ons echter vanzelf hun enthousiasme.

Voor de meest dramatische en opwindende momenten in een animatie is het logisch om je inspanningen te concentreren en het meer mechanische werk van tussendoortjes op een later tijdstip aan anderen of aan onszelf te delegeren.

De anatomie van een pose-to-pose-reeks

Er zijn een paar ingrediënten die de meeste voorbeelden van pose-to-pose-animatie bevatten. Laten we ze elk eens doornemen.

De belangrijkste houdingen

Deze "miniaturen" zullen meestal de momenten zijn die de meeste betekenis en emotie overbrengen. Een plotseling besef, het hoogtepunt van een woede-uitbarsting, of de seconde dat een personage landt nadat het van een klif is gevallen, komen allemaal in aanmerking.

De tussenweg

Als de arm omhoog is in de eerste houding en omlaag in de tweede, moet je de tussenruimte vullen met ten minste één frame waar de arm ergens in het midden staat. Hoe meer frames deze ruimte ertussen vullen, hoe vloeiender de animatie eruit zal zien.

De storingen

Elk keyframe rechtstreeks in serie schakelen kan werken als u iets heel eenvoudigs animeert. Na een paar sequenties die niet worden onderbroken door enige vorm van secundaire actie of een pauze, zul je echter voelen: een gevoel van "rusteloosheid". Uitsplitsingen geven uw publiek de rust die ze nodig hebben terwijl ze uw animatie verwerken.

Ze fungeren als "keyframes" tussen keyframes. Voordat een personage ergens op reageert, kan het huiveren, stuiteren of knipperen. Deze kleine acties verbeteren hun prestaties, waardoor ze minder saai worden.

Verwant: De beste teken- en schilder-apps voor Android

Animatie van pose-to-pose oefenen

Je top drie prioriteiten als animator: timing, tussenruimte en consistentie. Pose-to-pose-animatie is de perfecte techniek voor een beginner die zijn vaardigheden op alle drie de gebieden wil versterken.

Als je voor het eerst begint, gaat er niets boven het leren van de meesters. Googlen op de naam van je favoriete stripfiguur gevolgd door de uitdrukking "modelblad" zal waarschijnlijk een schat aan technische instructies ophalen over hoe het personage te construeren professioneel.

Als dat niet het geval is, raden we een klassiek Mickey Mouse-modelblad aan. Zodra je er een hebt gevonden die je leuk vindt, start je je animatieprogramma naar keuze.

1. Kies twee belangrijke houdingen

Nadat je je poses hebt gekozen, teken je ze op twee verschillende frames. Steek zoveel mogelijk moeite in deze sleuteltekeningen. Kwaliteit is in deze fase cruciaal.

Hier kunt u zien dat we de zaken heel eenvoudig hebben gehouden. Als je ze heen en weer bladert, wordt het duidelijk dat twee frames niet genoeg zijn om dit kleine verhaal te vertellen. Om een ​​loopbare animatie te maken, gaan we het eerste keyframe kopiëren en een ander exemplaar plaatsen na onze tweede keyframe-pose. Op naar de volgende fase.

2. Voeg een uitsplitsing toe (of meerdere)

Verstoor deze eenvoudige voortgang met iets in het midden van de eerste twee poses.

Nu deinst Mickey terug voordat hij verbijstert. De knieën buigen en zijn schouders zijn opgetrokken om zijn nek. Als je dit doorneemt, voelt de reeks veel beter aan dan alleen de twee keyframe-poses alleen, maar er is nog steeds het gevoel dat er iets... ontbreekt. In dergelijke gevallen is een andere storing soms een passende oplossing.

Laten we deze eerste storing een haartje terugzetten. In plaats van direct naar de tweede keyframe-pose te springen, kunnen we hem iets laten stuiteren voordat hij in zijn facepalm landt. We kunnen ook de tweede sleutelpositie en het laatste frame terugduwen voor meer ademruimte.

Loop nu door je eigen korte reeks. Als de actie solide aanvoelt, hoef je alleen nog maar de spaties in te vullen tussen wat je al hebt.

3. Teken er tussendoor

We raden aan om je eerste tussenliggende punt precies in het midden van de opening te tekenen die de eerste twee keyframes in je tijdlijn scheidt, inclusief uitsplitsingen.

Zodra je iets hebt dat ze koppelt, kijk je het een paar keer en ga je door met het invullen van de lege plekken totdat alles bij elkaar begint te komen. Dit deel spreekt voor zich, vooral als u overlays met uienhuid hebt ingeschakeld in welk animatieprogramma u ook gebruikt. Het enige dat u hoeft te doen, is elk lichaamsdeel tussen de analogen die voorafgaan en volgen te tekenen.

Deze lossere, schetsmatigere blauwdruktekeningen worden 'roughs' genoemd, en terecht. Ze moeten niet als definitief worden beschouwd, vooral niet tijdens dit eerste verkenningsproces. Hun doel is om de reeks rond elke keyframe-pose in kaart te brengen. Je zult uiteindelijk teruggaan naar deze ruwe plekken, secundaire actie toevoegen en ze op een bepaald moment opruimen.

Richt je in dit stadium minder op perfectie en meer op je fundamenten: goed weergegeven actie in grote lijnen en acteren dat authentiek aanvoelt.

4. Evalueren en verfijnen

Kijk na het behalen van je eerste pas wat je hebt. Als sommige delen te snel aanvoelen, kun je frames naar voren blijven schuiven, waardoor er meer tussenruimte ontstaat. Hetzelfde geldt voor secties die aanslepen. Voel je vrij om wat onderdelen terug naar binnen te trekken, zelfs tussenliggende delen te verwijderen indien nodig.

Een ding dat het vermelden waard is: je zult merken dat niet elk frame op dit moment uniek is. We hebben een paar "hold"-frames; dode lucht die voorkomt dat de sequentie te snel doorslaat. Deze kunnen al dan niet opnieuw worden getekend terwijl u doorgaat. Het hangt allemaal af van de stijl waar je voor gaat.

In theorie is er echt geen finishlijn. In dit voorbeeld zouden we zeker verder kunnen gaan - hem bijvoorbeeld wat ogen geven of de knopen aan zijn broek toevoegen. Iets belangrijks om te onthouden is dat geweldige animatie nooit in één keer wordt gedaan. Je kunt geen details toevoegen aan iets amorfs en vaags; er moet altijd eerst een solide basis worden gelegd.

Verwant: De beginnershandleiding voor Adobe Character Animator

De kunst van animatie onder de knie krijgen

Een beetje logica en creatief denken zullen zelfs zeer uitdagende scènes veel beter beheersbaar maken. Er zijn maar weinig scenario's waarin pose-to-pose-animatie op zijn minst het pad dat voor je ligt niet zal verlichten.

Uiteindelijk zul je je waarschijnlijk zelfverzekerd genoeg voelen om je eigen progressie van houdingen te ontwerpen. Begin met de eerste twee die je duidelijk kunt zien en ga precies zo te werk als hier beschreven. Met deze principes in gedachten, zal niets je kunnen stoppen.

Wat zijn de 12 animatieprincipes van Disney?

Disney's 12 animatieprincipes blazen tekenfilms leven in. Ontdek wat ze zijn en hoe ze uw animaties kunnen verbeteren.

Lees volgende

Over de auteur